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3年目の黙祷 [東日本大震災]

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 職場で仕事をしていると、同僚のM君がやってきて「神社に行きましょう」という。なんのことか分からずに、「彼女でもつくりたいの?」と聞き返した。会社から歩いて3分ほどのところに、縁結びで女性に人気の東京大神宮がある。時計を見ると時刻は2時半。それで気がついた。二人で大神宮に向かう。
 境内にはやはり若い女性の姿が多い。本殿に参拝したあと、時刻がくるのを待った。私は一昨年昨年とも3月11日は、社内で腰掛けたまま一人目をつぶって黙祷した。今年もそのつもりでいた。東日本大震災と原発事故の被害者を追悼するのは、大勢いるフロアの中で私とM君だけかもしれない。
 本殿横の案内所のスピーカーから、追悼式を中継するラジオかなにかのアナウンサーの声が聞こえる。そのうちに神官が姿を現し、本日が震災の日であることを伝え、参拝者に黙祷を案内した。2時46分、境内にいる人たちとともに黙祷した。
 静かなる1分間。津波に呑まれた人々を追悼する。あの日、想像の及ばぬ災害が東北と関東沿岸を襲った。その光景を思いおこす。目を閉じた。1万8000人を超える人々の死もまた想像できない。ただ祈るだけだ。そのうちに、原発事故によって汚れてしまった福島土地、失って二度と取り返せないさまざまのことが頭の中に染みだしてきた。悔しさがわいてきて目がにじんだ。
 怒りや腹立たしさではなく、悔しさだった。防げたはずの事故。その後の人々の生活。食べられなくなった福島の野菜果物、魚。行政。不信。あれから何も変わっていない。それどころか、より悪くなっている。いろいろな思いがこみ上げてきた。本当は泣いてしまいたい。でも泣くわけにはいかない。そんな気持ちで社へ戻る。

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会田誠展「もう俺には何も期待するな」 [ART]

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 3月5日、ミヅマアートギャラリーで会田誠展「もう俺には何も期待するな」を見た。このタイトルは昨年六本木で開催され、49万人もの来場者があったという展覧会「天才でごめんなさい」の反動によるものなのだろうか。見に行くほうはそうもいかず、注目作家の新作に期待しながらギャラリーを訪れただろう。
 展示の中心は映像作品だった。タイトルは「土人@男木島」(2013年制作・48分36秒)。撮影地は瀬戸内海に浮かぶ男木島で、この島に4人の土人が現れたというシチュエーションだ。時間と空間を飛び越え、太古から現代にやって来た4人はそれぞれ「うみやろう」「やまやろう」「あなやろう」「ひげやろう」と呼ばれ、島の社会に馴染んでいる。ここに女性レポーターが訪れ、彼らの生活ぶりを取材し、ときにクイズが出題される。この設定に来場者は肩すかしをくらう。と同時に「そうきたか」と受け止める。撮影・編集は作家本人が行なっており、つくりはそのまま「世界ふしぎ発見!」と「オレたちひょうきん族」だった。
 会田誠は以前、自らがオサマ・ビン・ラディンに扮した作品「日本に潜伏中のビン・ラディンと名乗る男からのビデオ」を制作し発表した。どこか地方の日本家屋の座敷のようなところにかくまわれたビン・ラディンがこたつに入って酒を飲み、乾き物を食べながら独白するという内容だ。日本に骨を埋めるつもりだという。これも相当おかしく、思わずに笑ってしまう。ビン・ラディンを血眼で捜していたころのオバマ大統領が見たら、卒倒しただろう。
 彼の作品は、風刺、お笑い、状況に対する複雑な感情や価値観、アートと現実の二重構造など、さまざまな物事が骨組みになっている。力みがなく、彼がTEDのプレゼンテーションで語った「テキトー」が制作のベースにある。しかし、その適当さの中であぶり出されるのはまぎれもない現代日本の姿だ。あるいは日本という池に投じられた彼ならではの表現。その点でこの作家のフィールドは、日本そのものなのかもしれない。「もう俺には何も期待するな」では、上映スペースの壁面に殴り描きのような大きなペインティングを展示した。そこには赤い放射能マークとともに「ふるさとはNo Feeling」と書かれてあった。その意味するところはなにか?
 日本人が抱える問題や政治的なテーマを捉え、既成の価値観を壊す仕事をしながら、彼は直接的な行動をとることはしない。あくまで、問題を作品の中に内包し続ける。問題を生け花の剣山のように底に据えながら、主に同世代の人々が影響を受けてきたもの、それはお笑いや風俗であったり、アニメや女子高生だったりといったものだが、それらさまざまな要素を刺して作品を形づくっている。このモチーフに合わせ、作品のスタイルやスケールを変え、メディアを選び、テクニックコントロールする。それがこの作家の強みだ。
 今回は映像作品以外にも、3角形の部屋の中で3人の男性が話し合う様子を3台のカメラで録画した「最小社会記録装置(Minimum Society Recording Device)」、和室を模した部屋に飾られたオブジェなどが展示された。「最小社会記録装置」は仕掛けとして、また個人的な語りの点で、興味深いインスタレーションだ。
 和室に座り、TED登壇の顛末を記した冊子を読んでいたら、作家本人が目の前に現れた。そのとき、私は特に話しかける言葉をもたず、軽く挨拶をした。彼の表情は柔和で、たたずまいは落ち着いている。それは作品ありのままであり、芸術家は本来、作品とイコールだ。作家の目を見たら、彼の仕事についての謎が収まるところに収まった気がした。
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アートフェア東京2014 [ART]

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 制作を早めに切り上げ、有楽町・国際フォーラムで開催されている「アートフェア東京2014」に行く。5時に着いたが、終了時刻まで3時間しかないので少し急ぎながら回る。ギャラリーの話を聞きながらまともに回ると、ゆうに5時間はかかる。地方在住の若手作家に注目したい人が数人いた。そのほとんどが女性。男にも見所はあったが、こだわる勘所がずれている人が多いように思えた。
 
 私がいちばん注目したのは、富山から来た江藤玲奈。日本画の技法を使った人体表現は、これまで見たことのないものだった。連想するのは、ベーコンやデュシャンだろうか。しかも単体ではなく、3人あるいは集団を描き、人間が運動している。人体に重なるように綱のような痕跡が記されている。ここでなにが起きているのか、表した内面とはなにか、非常に興味深い作品だ。作家本人はごく普通のトーンで作品を語る女の子だった。

 次に、大竹寛子。こちらも日本画で、青い岩絵の具で蝶を描いた作品。タイトルは「連続する流動的な瞬間」。舞い飛ぶたくさんの蝶から絵の具が下に垂れている。この幾筋もの青の流れと変化が美しい。蝶は精密に描かれているが、タッチを感じさせず、版画のようでもある。手仕事を感じさせない距離感が静謐さを生み出している。

 田村香織の画面は緻密で深い。刻まれた細線が宇宙を構成し、気の遠くなるような空間を創り出しているにもかかわらず、どこかに存在の軽やかさがある。引き込まれるのは実はこの軽やかさのほうなのかもしれない。

 メタリックでSF的なモチーフを描く牧田愛。彼女の作品はCGを軽く凌駕している。鏡面の映りこみが際立ち、まばゆいイメージを放つ。このイメージは手仕事でつくられているに違いない。それだからこそ、見る者の視線を呼び寄せ、精神を溶解させる。溶け込んで画面に融合してしまうのだ。

 柴田七美は絵の具を盛っている。かなりの物質感。厚塗りはよくある手法なのだが、彼女の場合は、そのタッチに魅力がある。面の方向性が強く、思わず読み込みたくなる筆致なのだ。人物がなにかを演じる場面を表すタッチに、彼女なりの言語感覚があるとでもいえばいいだろうか。色調は統一されている。

 北海道在住の山本雄基の重層的な作品。円が何層にも渡って描がかれている。その人肌に近い色彩感覚がレイヤーの物質感とあいまってうまい具合に独特の空間を生み出している。黒い円が構造を支えている点が特徴。私は今回の展示では、物質感とレイヤー構造による作品に注目した。売れている作品にもその傾向があったことは興味深い。

 香月泰男の小品は味わいがある。あの京壁のような地にためらいも気負いもない、ごく絵画的なモチーフが黒などで描かれている。この自由な自律性がとても魅力的だ。熊谷守一の絵は何度も見たが、今回ふと思ったのは、この人の油彩は一度の下絵を最後まで生かしているのではないかということ。最初に赤鉛筆のようなもので描いた下絵が輪郭となり、それを変えることなく、完成までもっていっているように見えた。

 アートフェア東京では、香月泰男や熊谷守一、佐伯祐三など往年の作家の作品を見ること、買うこともできる。近代から現代、新人からベテランまで、幅広い作品が展示されるのが本展の特徴だ。なぜか今年は香月泰男と藤田嗣治が多かった。いずれも小品で、どのくらいの価格設定なのかが気になった。

 終了間際、知り合いの現代美術の画商に会う。持ち込んだ作品がほとんど売れて補充したとのこと。絵の具を針金状にして描き、地図のようなふかんの風景を表現する作家。線が立体になっているユニークな技法とミニチュアのような面白いモチーフだ。平面作品でありながら、立体的な要素もある。いくらだったかは知らないが、売り出し中の作家の作品はたいてい安めに設定される。

 外国の作家も出品していたが、この会場では総じて日本人のほうがユニークで新鮮。新しい文脈をつくりだす土壌を感じた。しかも、以前のような、少女や幼児、アニメをモチーフにした作品がだいぶ減った。スーパーリアルの女性肖像画も少なくなったのはいいことだ。モチーフ、技法ともに興味深いペインティングや写真出会い、刺激を受けた。

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高橋悠治のピアノ・リサイタル [音楽]

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 木曜日の夜、浜離宮朝日ホールで「高橋悠治ピアノ・リサイタル」を聴く。
この人の演奏を生で聴くのは今回で二度目。最初に聴いたのは新宿ピットインでのライブだった。富樫雅彦の追悼ライブで、山下洋輔などさまざまなジャズミュージシャンが順に演奏した最後のほうに高橋悠治が登場し、その音を聴いて驚いた記憶がある。ジャズ畑の人ではないし、ジャズミュージシャンとはスタイルや経歴も異なるが、フリーなどいろいろなジャズミュージシャンとのセッションに参加してきた人。もちろん浮いていたのではない。彼のプレイは音楽の成り立ちそのものが独自であり、生のピアノ音はそれまで聴いたことのない類のものだったのだ。一聴すると硬質でロジカル。テクニックや正確さ、独創性というよりも、このピアニストが捉えている音楽、音楽への理解は明らかにほかのプレーヤーとは異なっていた。初めの1音が響いた瞬間にそれが分かる。イメージとしては、荒川修作のドローイングに似ている。突き詰めれば数学的な難解さを伴うが、荒川修作の場合は精神をドローイングに、高橋悠治の場合は音に変換する作業に徹したといえばいいだろうか。あの晩のことはいまだに記憶に残っている。
 高橋悠治は現代音楽、電子音楽、クラシック、フリー、楽団など、さまざまな音楽フィールドで作曲/演奏を横断的に仕事をこなし、活動の幅は非常に広い。それは、音楽の理解力ゆえだろう。勝手な想像だが、この人は経験や訓練を重ねてここにたどり着いたのではなく、最初からそのような音楽家だったのだ。音楽を理解、解釈する能力や感覚に優れている。それゆえ演奏会では、間を置かずすぐに演奏に入ることができる。MCを終えてマイクを置いた瞬間に演奏が始まるのだ。
 作曲家であり、ピアニストでもある点は必然といえるかもしれない。音楽を理解すること、理解して変換する際の純度が極めて高く、それを正確に演奏する希有な技術を備えている。ピアニストとしては、作曲者が刻み込んだ音楽の精神を理解し、一切の無駄なく構造をコンパイルする。音楽が通る神経回路の処理速度が並みではない。
 浜離宮朝日ホールの音響は、朝の陽光のように明るかった。響きのかたちが見えるようで、特に響きの終わりが美しい。今回のコンサートは、作曲家を2人組み合わせて、そこから新しい音楽の文脈を導き出すのがテーマだ。演奏したのは、ガルッピとモーツァルト、映画音楽の作曲家ハジダキスとサティ、高橋悠治の自作曲とバッハだ。それぞれの対比が独特の共通点あるいは違いを浮き彫りにし、その重なりが物語になっていた。このあたりの選曲や趣向も高橋悠治のゆるぎない音楽解釈に起因するものだろう。コンサートの中心点はサティのグノシェンヌ7番だったように思う。高橋悠治のサティは定評のあるところで、私も何度かCDで聴いたが(たしか、7番はCD化されていない)、今回の演奏はやはり、サティの精神を深いところで読み込んでいる点が秀逸だった。この曲への拍手がいちばん大きかった。

曲目:

ガルッピ/ソナ イ短調 作品1の3
モーツァルト/ロンド イ短調 KV.511

ハジダキス/小さい白い貝殻に Op.1
サティ/ゴシック舞曲、グノシェンヌ7番

高橋悠治/アフロ・アジア風バッハ
バッハ/パルティータ6番 BWV830

アンコール:
モンポウ/歌と踊り 第1番
 
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